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Di Walter Muto per IlSussidiario

Ho conosciuto Niccolò personalmente, l’ho incontrato alcune volte, l’ultima per la conferenza stampa del suo ultimo album, Tradizione e tradimento, qualche mese fa. La più bella quando, insieme alla mia figlia più grande, che ha scritto la sua prima tesi su alcune sue canzoni, gliela abbiamo portata, negli studi della Radiotelevisione Svizzera Italiana, passando insieme alcune ore. Siamo seduti vicini stasera, la mamma è nella poltrona ancora di fianco.
Gli altri due figli non sono qui, e pur prediligendo altri generi, ascoltano molte delle canzoni di Fabi e lo apprezzano. Potremmo dire che Niccolò per noi è diventato uno di famiglia. Come per molti altri, a giudicare dall’affetto che percepiremo per lui in sala.

Ma allora, che cosa siamo venuti a vedere?

Un uomo che comunica il suo mondo, che condivide la sua anima con un Teatro degli Arcimboldi strapieno ed attentissimo (biglietti esauriti pochi giorni dopo l’emissione, come pure è sold out la quasi totalità degli altri concerti della tournée). Il concerto inizia pochi minuti dopo le 21 con cinque pezzi in fila, continuum senza interruzione, tutti provenienti dal suo lavoro più recente. Io e figlia numero 1 lo avevamo visto fare pochi mesi prima in concerto a Bon Iver, il cantautore statunitense riconosciuto apertamente da Fabi come uno dei suoi punti di riferimento. Anche l’attenzione all’aspetto visual, molto presente attraverso alcuni schermi disseminati geometricamente per il palcoscenico, è un aspetto comune ad entrambi gli artisti. Io e mia figlia ce lo diciamo avendolo pensato quasi all’unisono, appena finita la scarica iniziale dei brani che comprende, nell’ordine, A prescindere da me, Amori con le ali, Io sono l’altro, I giorni dello smarrimento e Nel blu. Impossibile descrivere, sono pezzi da ascoltare, fatelo.
Le canzoni sono tutte molto intense, il suono è perfetto, gli elementi visivi aiutano e non disturbano, ottimo anche il light show. Niccolò sa bene –  e lo ha detto spesso negli ultimi tempi – che questo album paga lo scotto di essere venuto dopo quella che lui ritiene (secondo noi a ragione) la cima assoluta della sua produzione, il precedente Una somma di piccole cose, disco uscito tre anni e mezzo fa e registrato in perfetta solitudine (ed ecco che torna Bon Iver, e il suo capanno in Wisconsin…). Proprio lì Fabi ritorna con una triade altissimo livello, la title track, Una somma di piccole cose, per l’appunto e poi la commovente Facciamo finta – che coraggio tornare al dramma della perdita della piccola Lulù e raccontarlo con quella intensità, che altezza d’animo non volerne fuggire -; chiude il terzetto Filosofia agricola, con la sua apertura armonica a metà canzone che ogni volta, anche al centesimo ascolto, toglie il fiato e ti fa piegare la testa per seguirla.

E si gira nuovamente pagina. Un salto ancora più indietro (a circa 16 anni fa, ci suggerisce introducendo), ci porta poi alla strepitosa È non è, riflessione su per che cosa vale la pena (o non vale la pena) vivere. Ci ritroviamo a cantare a voce piena con tutti “non è invecchiare cambiando canale/non è un dovere dover invecchiare” e poi “Non è la vittoria l’applauso del mondo/di ciò che succede il senso profondo”, ma è tentare di essere degno del mestiere che faccio, e cioè appendere emozioni ad un foglio di carta e delle note. Il lungo finale su un giro di accordi reiterato fa emergere la solidità della band ed in particolare le visioni della lapsteel di Roberto Angelini, amico di sempre e collaboratore insostituibile, che nell’arco della serata colora i brani con una quantità incredibile di chitarre. Altro partner di lunga data è il polistrumentista Pier Cortese, e poi Alberto Bianco (basso e chitarre), Daniele ‘mr. Coffee’ Rossi (tastiere) e Filippo Cornaglia (batteria).

Dall’album di 10 anni fa Solo un uomo vengono estratte e presentate La promessa e Solo un uomo, segno che la scaletta è stata pensata ed allestita un po’ a blocchi (di tempo e di memoria, evidentemente). Ed infatti il capitolo successivo sono tre brani da Ecco, il lavoro uscito nel 2012. Una buona idea, che permette alla band di spingere un pochino sull’acceleratore (o meglio sul pedale del volume) e la coda di Indipendente, legata alla precedente e presa al contrario, resa un po’ più laid-down e facile approdo per il singalong del pubblico, a cui va una menzione speciale per attenzione rigorosissima e partecipazione solo se invitato e nei momenti giusti. Chapeau!

Chiude questo blocco a tre Ecco, altra esperienza di arte come medicina e catarsi, nel racconto drammatico di chi vorrebbe far tornare le cose al loro posto quando è impossibile. Molto coinvolgenti le immagini di esplosioni, catastrofi e torri gemelle proiettate al contrario, come per l’appunto a voler restaurare una perduta integrità. Il lunghissimo applauso dopo Ecco dà modo all’artista di riprendersi un attimo e presentare la successiva Vince chi molla come la conclusione di quel percorso – in qualche modo – di purificazione, il riuscire finalmente a lasciare andare le cose (e le persone) dove debbono andare. Eseguita in perfetta solitudine al pianoforte, è come sempre uno dei punti più alti dello show.

La band rientra poi per l’altro capolavoro Una mano sugli occhi, seguita da Costruire, due tributi all’amore e alle sue diverse stagioni. Il finale ufficiale del concerto è affidato con un gioco chiastico al brano che invece apre l’ultimo album, Scotta, introdotta citando un verso della medesima canzone, “la potenza dell’eterno dentro il quotidiano”. L’immancabile encore inizia con Tradizione e tradimento da solo alla chitarra acustica, segno indelebile di un mondo di appartenenza preciso; poi una lunga serie di ringraziamenti alla band e allo staff tecnico audio e video (ricordiamo almeno il fonico, il grande Ricky Parravicini).

Un ringraziamento particolare va a Bob Angelini e Pier Cortese, con i quali resuscita una Vento d’estate in chiave acustica, due chitarre ed ukulele; chiudono infine i due super classici Il negozio di antiquariato e Lasciarsi un giorno a Roma. Diversi minuti di applausi salutano un Niccolò Fabi contento e commosso. Come pieni di tanta bella musica e tanta intensità sono i 2300 che sciamano fuori dal teatro commentando una bella serata.

Se ve ne fosse stato bisogno, la conferma di una delle voci più autentiche e corpose della canzone d’autore italiana.

Angelo Branduardi ridà voce, musica e anima a Ildegarda di Bingen

Di Annalisa Teggi per Aleteia

A 6 anni dall’ultimo album è uscito lo scorso 4 ottobre “Il cammino dell’anima” frutto musicale intenso, compiuto con un lavoro appassionato e filologico sulle parole e le note originali della mistica medievale che Benedetto XVI proclamò santa e dottore della Chiesa.

Lo si appella maestro o menestrello, titoli tutt’altro che snob per descrivere il suo viaggio nella musica lungo sentieri ritenuti di nicchia ma, alla prova dei fatti, apprezzati da una platea vastissima di pubblico non solo erudito. È Angelo Branduardi, settant’anni il prossimo anno e quarantacinque di carriera festeggiati nel 2019. Il regalo più bello che si è concesso è stato quello di tuffarsi nel mondo visionario e universale del medioevo di Ildegarda di Bingen. Lo scorso 4 ottobre è uscito Il Cammino dell’anima il nuovo album, che arriva a sei anni di distanza dal precedente.

Non è un’opera singolare, ma plurale sia nella creazione sia nell’ascolto. Qualcuno ha già detto, a buona ragione, che potrebbe diventare un’opera teatrale; infatti partecipano alla sinfonia generale, oltre alla voce dell’anima, quella di un profeta, del diavolo e delle virtù. Uno dei versi cantati che ha immediatamente catturato la mia attenzione recita:

Io vorrei godere senza mai recare offesa.

Così dirompente s’intromette la voce di Ildegarda sul cammino zoppicante dell’uomo del XXI secolo. L’azzardo della sua proposta sacra e umana è alla nostra altezza? Branduardi e sua moglie Luisa scommettono di sì.

Filologia coniugale

Intervistato da Vatican news, il cantautore della celeberrima Fiera dell’Est ha dichiarato:

Io non sono un conoscitore profondo di Ildegarda, perché l’ho incontrata per caso e mi ha coinvolto la sua musica.
È la sua musica che parla, sono le sue parole che parlano. […] La sua musica è incredibilmente vicina a noi, io ci ho lavorato con estrema correttezza e senza dilungarmi più di tanto.
Ho solo appoggiato degli accordi perché ai suoi tempi la musica verticale non c’era, c’era solo quella orizzontale.
(da Vatican News)

Ildegarda fu una figura dai talenti spalancati all’universale, fu mistica e poeta, musicista, filologa ed erborista; il tentativo (riuscitissimo!) di Branduardi è un atto filologico di lode al senso di sacro, pace e meraviglia che trabocca dalla musica e dalle visioni della Santa di Bingen. Lui, Angelo, si è dedicato a studiare gli spartiti musicali composti da Ildegarda e a tradurli in una versione più consona al nostro orecchio, toccando e modificando pochissimo. La signora Branduardi, cioé Luisa Zappa, si è occupata dei testi della Santa: Ildegarda aveva visioni che le procuravano una prostrazione fisica terribile, un frate si occupava di trascrivere ciò che lei vedeva. E cosa vedeva? Il libro dell’universo come capolavoro di Dio, verrebbe da riassumere: squarci di Assoluto, cavalcate nella pura meraviglia dell’essere, affondi nella follia d’amore di Dio.

Luisa Zappa ha fedelmente tradotto dal latino alcuni passaggi di questi testi, che sono poi stati cuciti sulla musica per creare un viaggio in 9 tappe, quante le tracce dell’album. L’ascoltatore deve chiudere gli occhi e lasciarsi guidare dall’armonia, s’imbatterà in un preludio corale, in brani puramente melodici e in altri a più voci, veri e propri dialoghi in musica.

Una curiosità: la prima voce che compare nel disco è quella di Cristiano De André. Branduardi ha voluto la sua presenza, perché? «Fa la parte del profeta. Ho scelto lui perché è figlio di un profeta». Altre illustri presenze sono quelle del controtenore Arturo Sorrentino insieme a una orchestra guidata da Stefano Zavattoni.

Il fiato del serpente e il respiro di Gesù

Alla domanda della giornalista di Vatican News su quale fosse la sua frase preferita di Ildegarda, Branduardi confessa la difficoltà di sceglierne una sola ma poi si lancia: “Guardati: dentro di te c’è il cielo e la terra”. Il terrestre e il celeste, ecco la commistione misteriosa e unica che è l’uomo. Dante notò che noi siamo le uniche creature simili alla linea dell’orizzonte, apparteniamo al cielo e alla terra appunto. Shakespeare fece dire ad Amleto che esistono più cose in cielo e in terra di quelle che può costruire l’immaginazione. Mi fermo qui, ma si può davvero dire che lo sguardo di Ildegarda abbia abbracciato, grazie all’unità di Dio, il disegno provvidenziale dell’universo che oggi sembra sempre più un puzzle scomposto.

L’anima che deve mettersi in cammino è la nostra, innanzitutto. Ad un primo ascolto dell’album di Branduardi, lo confesso, ho scambiato la voce del Diavolo per quella di Dio. Mi pareva che queste parole fossero bellissime e provenissero da nostro Padre:

E tu anima, chi sei?
Da dove vieni?
Ti eri avvinghiata e io con me ti ho sollevata.
Ora sono adirato per il tuo tradimento, ma combatterò e di nuovo ti avrò.

Sono invece pronunciate dal Diavolo. Forse il mio errore mi ha portato non lontano dal succo della questione, cioé la libertà dell’uomo. Chi vogliamo che sia a pronunciare quella frase? A chi vogliamo appartenere?
L’anima suda sul sentiero arduo del suo destino. Sente il fiato del serpente sul collo, ecco quest’immagine potente è proprio di Ildegarda. Mi ha impressionata questo dettaglio sensoriale del male, il suo fiato. La visione mistica deve essere di una concretezza sublime, lo intuisco solo vagamente.

Altrettanto attonita mi hanno lasciato le parole con cui l’anima si rifugia tra le braccia di Colei che ha schiacciato il serpente:

Salve a te, dolcissima Madre.
Il tuo Creatore in te respira.

Ringrazierei il signor Branduardi e sua moglie Luisa anche solo per questo frammento, che ci riporta indietro di mille anni… e cioè al centro esatto di noi: solo una donna straordinaria, intelligente e libera come Ildegarda, poteva portarci in un punto così poco esplorato del legame tra Maria e Gesù, quel tempo di vita intrauterina in cui Dio stesso respirò attraverso il grembo di una donna.

“L’Amore è il centro della nostra vita, perché nasciamo da un atto d’amore, 
viviamo per amare e per essere amati, e moriamo per conoscere l’amore vero di Dio”
Chiara Corbella Petrillo

Di Giulia Terzi

C’è odore di giovinezza quando questa canzone inizia a risuonare. Le sue note delicate hanno il sapore di freschezza giovanile. Le sue parole semplici e dolci raccontano di una fragilità guarita, di una tristezza sanata.

Con la sua Anna e Marco, Lucio Dalla crea un quadro impeccabile e universale dell’imperfetta armonia dell’essere giovane tanto che, a distanza di 40 anni dalla sua pubblicazione, questa canzone continua a parlare di tutti noi, giovani e ragazzi.

Uscita nel 1979, Anna e Marco è stata inserita nell’ottavo album del cantautore bolognese Lucio Dalla. Una melodia dolce accompagna un testo pungente che vede come suoi protagonisti due giovani. A fare da sfondo c’è il grigiore della periferia metropolitana, in cui la luna e le stelle diventano segno di sogni irraggiungibili, di quell’America lontana che invade la mente e i cuori dei più giovani, ma che rimane sempre una chimera. Così anche guardare quella luna e quelle stelle fa male: esse diventano solo palle da biliardo e luccichio dei flipper.

Anna è una stella di periferia, con uno sguardo attento ma che appare sempre più spento: sogna infatti di scappare da tutto quel grigiore cittadino e, sulla pista da ballo, scatena tutti i suoi timori, le sue insicurezze e la sua amara insoddisfazione.

Marco è un lupo di periferia, il cui mondo gira attorno alla madre, alla sorella e al solito gruppo di amici. Anche a Marco, però, questo mondo sta stretto: anch’egli sogna di scappare dalla poca vita, sempre quella. Una moto, che porta Marco e i suoi amici in città, disegna una svolta, un cambiamento improvviso, una ventata di aria fresca. In un locale, che fa schifo, Anna e Marco si incontrano, si scambiano la pelle, ed iniziano a volare.

Tra i due scatta l’amore e questo cambia tutto: la luna, che fino a qualche giorno prima faceva così paura, diventa luna di città, scende per strada e su essa cammina. Quella felicità che i due sognavano e pensavano di poter trovare solo lontano da quel grigiore cittadino, gli viene incontro, diventa concreta, si fa spazio nella loro vita. Cambia tutto, in un’immobile realtà che rimane la stessa. A cambiare sono solo i cuori dei due ragazzi che, finalmente, iniziano a battere.

Ecco allora la conclusione del testo: “Anna avrebbe voluto morire / Marco voleva andarsene lontano / Qualcuno li ha visti tornare / Tenendosi per mano”.

I due accettano il loro mondo, decidono di vivere in esso. Non è una scelta dettata dalla passività la loro: i due giovani sembrano raggiungere, infatti, la consapevolezza che anche in tutto quel grigiore può nascondersi la felicità e la loro piena realizzazione. Essi comprendono che, a salvarli, può essere solo l’amore.

Un amore salvifico, dunque, quello che si legge tra le righe di questo testo. Un amore che entra nella vita di questi due giovani e ne ravviva le speranze. Un amore che porta a pieno compimento la loro vita, nonostante essa rimanga sempre la stessa. Un amore che, se accolto e accettato, ci salva. Tutti quanti.

Dalla, con questo testo, ci dona il segreto più dolce ma, a volte, così amaro per avere una vita felice: porre al centro di noi stessi l’amore, accettare di essere amati e amare a nostra volta.

Sembra scontato e banale, ma guardiamoci negli occhi e diciamocelo: lo stiamo facendo davvero?

Di Giulia Terzi

Una certezza trovata. Una necessità finalmente riconosciuta. Un qualcosa che dà un senso al cammino. La parola fede è più volte ripetuta, diventando parte essenziale del testo e della vita di Fabrizio Moro che, all’età di 44 anni, urla il suo bisogno di credere.

Ho bisogno di credere è il primo singolo estratto dal decimo album del cantautore italiano Fabrizio Moro, Figli di Nessuno. Pubblicato il 15 marzo 2019, il brano è autobiografico e in esso il cantante esprime una nuova consapevolezza, ovvero la sua costante necessità di avere fede in qualcosa. In un commento alla canzone, Fabrizio si definisce infatti: “un essere umano con tanti limiti ma consapevole che nella vita, oltre alla libertà, va ricercata la fede: qualsiasi essa sia, la fede ti dà la forza di continuare a camminare anche se le tue ginocchia sono ormai rotte”.

La fede qui trattata è una credenza universale, non identificata solo in senso religioso, ma allargata a tutta l’esistenza dell’uomo. Si parla così di fede in se stessi, negli altri e verso la propria vita. Fabrizio canta che “la fede è come un’arma per combattere ogni sfida”, tanto forte da combattere anche quello che è il dolore del passato, il quale diventa un punto di forza.

Centrale nel testo è anche il tema del limite, definito come la caratteristica fondamentale di ciò che è umano. Nonostante ciò, Moro sembra riluttante nell’accettarlo completamente. Ecco allora la necessità di avere fede in questo limite, di credere che anche l’essere “a un passo da” ciò che è fondamentale per la vita, possa compiere quella che è l’esistenza.

Leggendo il testo completo della canzone non si può però fare a meno di scorgere una fede più profonda, fondamento di quelle finora citate. Essa si coglie nel silenzio e sembra essere “un conduttore fra un dubbio e questo immenso / quando il resto perde il senso”.

Ecco forse la fede in Dio, che raggiunge il suo apice nel bridge cantato quasi con ansia. Qui si trova quella che è la sensazione in cui spesso sprofondiamo, ovvero il sentirsi quasi vittime dello scorrere della nostra vita, che ci fa mancare il fiato e ci rinchiude in “una prigione senza sbarre”.

Moro supplica Qualcuno, quasi disperato, per la salvezza da questo vivere artificiale e scombussolato, e si affida, concludendo con “io aspetto”.

In una realtà sempre più instabile, che punta alla diffidenza reciproca e ad un sempre più forte individualismo; in una società in cui l’estrema rincorsa alla libertà assoluta distrugge valori e rende l’uomo sempre più fragile; in un pensiero comune che elegge l’uomo a creatura onnipotente e Dio di se stesso, ecco che Moro confessa esattamente l’opposto: il sentirsi impotente e debole davanti ad un’esistenza che è più grande di lui.

Ho bisogno di credere diventa la confessione che l’uomo fa a se stesso e  urla quello che è il bisogno fondamentale di cui l’uomo sembra privarsi: l’avere fiducia in qualcosa, in Qualcuno che lo possa salvare, che lo possa compiere pienamente.

di Luis Estevez Estevez

È di tendenza, anche perché ha un ritmo coinvolgente, ma ha un impatto negativo, per i modelli che presenta.
Intervista con il professor Cosimo Alvati

Il termine “trap” deriva dall’inglese gergale e fa riferimento ai luoghi in cui vengono vendute droghe illegali. La musica trap è caratterizzata da testi cupi e minacciosi, che comunque possono essere molto diversi per ogni rapper. Temi tipici trattati nei testi sono la vita di strada tra criminalità e disagio, la povertà, la violenza, lo spaccio di sostanze stupefacenti, e le dure esperienze delle periferie. Dal 2016 in poi, il genere diventa sempre più popolare e influente, e si affermano nuovi rapper con sonorità o tematiche legate, totalmente o parzialmente, alla trap.
Tra i più famosi ci sono Ghali, Tedua, Achille Lauro, Izi, Laïoung, Capo Plaza, Vegas Jones, Ketama126, Enzo Dong.

Don Cosimo Alvati, professore della facoltà di Scienze della comunicazione dell’UPS, si occupa in modo approfondito del tema della musica trap.

Che tipo di persone sono gli ascoltatori di questo genere musicale?

«Sono i ragazzi e, secondo Riccardo Rosa, ascoltano la trap per due motivi: perché è di tendenza, che è diverso da “moda”: tendenza è il termine che utilizza You Tube per mettere in primo piano le cose più ascoltate. E se tu dici: “Andiamo a vedere cosa sta ascoltando il mondo oggi”, e poi lo senti due, tre, cinque volte, alla fine ti piace. È lo stesso meccanismo della pubblicità. Il secondo motivo, ed è il mio caso, è perché la musica, il beat, sono fatti bene. La voce, il testo, vengono dopo.»

Secondo lei, l’impatto generato dalla musica trap è positivo o negativo?

«È negativo.»

Perché pensa che sia negativo?

«È negativo per il messaggio subliminale che è dietro il ritmo che persuade il giovane. Anche perché presenta una realtà giocata sull’avere tutto ciò che vuoi nella vita, senza alcuno sforzo o sacrificio. Uno dei messaggi più subliminali è la tendenza al consumo di droga, considerato un “comune” fenomeno di tendenza, al pari del normcore della moda che definisce l’ossessione di sembrare normali per essere speciali.»

Che attenzione dovrebbero avere gli educatori, inclusi i genitori, di fronte a questo fenomeno musicale?

«Quella di proporre ai giovani un modello di analisi e di interpretazione critica di modelli e proposte di valori e stili di vita, che la cultura contemporanea offre, e poi garantire e concordare con loro tempi, luoghi, mezzi e occasioni perché tale processo di analisi e interpretazione possa avvenire, in vista della identificazione e adozione di modelli e stili di vita “alternativi”.»

Che consiglio dà ai ai giovani di questo genere musicale?

«Prima di tutto, che abbiano una consapevolezza critica degli stili di vita e dei “modi di essere” offerti da questi tipi di generi musicali e non rimangano solo nei ritmi o nei sentimenti che le canzoni possono generare e, in secondo luogo, che siano interessati ad indagare i diversi generi musicali, per comprendere i pericoli che alcuni di questi rappresentano per la cultura giovanile.»

Fonte: young4young

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